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viernes, 30 de octubre 2020
30/10/2020
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Rembrandt: Mirarse a sí mismo
Por Danilo Rúa Espinosa


Con frecuencia solía mirarme al espejo, tomar el pincel y comenzar a pintarme rápidamente mientras reconocía en mi mirada la expresión que mi rostro dibujada cada vez que había un movimiento de mi espíritu, así me hacía una imagen de mí mismo frente al sentir de cada momento; solo así, me hacía consciente de mi presencia y me percataba de este cuerpo que sostiene mi existencia. Y fue sin duda Rembrandt van Rijn el artista que ahondaría en su interioridad para reproducir en sus obras reflexiones profundas que salen en esos momentos de intimidad donde el pintor más ilustre del Siglo de Oro Neerlandés lograba captarse a sí mismo, y a través de esa mirada reflejar aquello que es común a todo humano. Verse a sí mismo, dibujar uno a uno cada pliegue de aquel cuerpo que se ve en el espejo, fue el modo en el que Rembrandt plasmaba el paso que el tiempo impregnaba sobre su piel, pero, sobre todo, sobre su vida.  Seguir leyendo...

El retorno del hijo pródigo. (1669). Óleo sobre lienzo. 262 cm × 205 cm. Museo del Hermitage, San Petersburgo, Rusia.

El cadáver de un buey, atribuido a Rembrandt

Lección de anatomía con el Dr. Nicolaes Tulp

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Algo muy grave va a suceder en este pueblo
Gabriel García Márquez

Imagínese usted un pueblo muy pequeño donde hay una señora vieja que tiene dos hijos, uno de 17 y una hija de 14. Está sirviéndoles el desayuno y tiene una expresión de preocupación. Los hijos le preguntan qué le pasa y ella les responde:

—No sé, pero he amanecido con el presentimiento de que algo muy grave va a sucederle a este pueblo. Seguir leyendo...

 

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Modos de ver: Paul Cézanne

Por Danilo Rúa Espinosa


Habitar una y otra vez las mismas estancias con la capacidad de ver la vida con una mirada diferente cada vez que posamos los ojos sobre el mismo paisaje. A esto nos hemos tenido que acostumbrar desde que empezó este tiempo de cuarentena que nos obligó a encerrarnos y a ver por un momento aquello que habíamos construido para ver qué de eso se queda y que, en definitiva, no hace parte de nuestra esencia. Miradas como la de Paul Cézanne nos enseña a ver el espacio en el que habitamos para poder entender que cada instante es valioso por su diversidad. Puede ser la misma casa, los mismos muebles o los mismos rincones, pero el habitar es diferente estamos cambiando a cada segundo y así se pasa la vida sin percatarnos de eso. ¿Qué hacemos con esos segundos? ¿Qué hacemos con esa vida que se nos está yendo? ¿Construimos o no nuevas miradas frente a eso que la vida me pone enfrente? Este pintor sabe lo que es cada instante de nuestra existencia y nos enseña sus diversos modos de ver. 

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1. Los jugadores de naipes. (1892). Óleo sobre lienzo. 47,5 cm x 57 cm. Museo de Orsay, París, Francia.   2. El Monte Sainte Victoire. (1900). Óleo sobre lienzo. 65 cm x 81 cm. Museo de Orsay, París, Francia.    3. Fruta y jarra en una mesa. (1894). Óleo sobre lienzo. Museo de Bellas artes Bostón

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Solo se vive una vez: Henri Toulouse-Lautrec
Por Danilo Rúa Espinosa


La bohemia parisina del siglo XIX tiene nombre propio y se llama Henri Toulouse-Lautrec. La Goulue llegando al Moulin Rouge (1892) es una prueba fidedigna de ello, allí vemos a una de las prostitutas más afamadas del bar Moulin Rouge arduamente frecuentado por el artista y que inspiró miles de las escenas que percibimos en su obra. En esta obra el artista retrata sin pena alguna la esencia de aquellos lugares en donde el jolgorio y alegría de la fiesta que se respira en la zona de baile se junta con la miseria y vacío de los cuartos tras las cortinas en donde las mujeres disponen su cuerpo para el disfrute y el placer de los hombres que, como Lautrec, encuentran su sentido en esa vida libre, desprevenida y lasciva. Nacido en Albi en Francia en 1864, originario de una familia aristocrática, por cuyo parentesco de sus padres (primos consanguíneos) heredaría una enfermedad en los huesos que se complicaría con dos accidentes en las que se fracturaría el fémur en ambas piernas impidiéndole crecer normalmente y alcanzar una estatura de 1,52 metros; el artista sintió más acogida en los bares de las calles de Montmartre que en la alta sociedad del Castillo del Albi. 

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 La Goulue llegando al Moulin Rouge. (1892). Óleo sobre cartón. 79,4 x 59 cm. MOMA, Nueva York.                         Retrato de Vincent van Gogh. (1887). Pastel sobre cartón, Museo Van Gogh.

Baile en el Moulin Rouge. (1890). Óleo sobre lienzo. 115 x 150 cm. Museo de Arte de Filadelfia.

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Antón Chéjov
(Ucrania, 1860 - Alemania, 1904)

EL BESO (1887)

Originalmente publicado en Tiempo nuevo, Núm. 4238 (15 de diciembre de 1887)

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El arte suple la vida: Edgar Degas

Por Danilo Rúa Espinosa

Entonces el pintor trasladaba su caballete hacia backstage del escenario, preparaba su paleta poniendo uno a uno los colores que utilizaría en su pintura, disponía los pinceles en la mesa y se sentaba a observar tras bambalinas a las bailarinas, mientras estas estiraban o se ponían sus medias veladas y sus zapatillas de ballet para prepararse para la escena. Fue en esa observación en donde Edgar Degas agudizó su ojo para traernos las mejores impresiones de esa vida bohemia y solaz del París de finales del 1800 promulgada en medio de artistas y en la vida cotidiana. Fue así, como el pintor nacido en 1834 en la ciudad del amor y de la luz aprendió a suplir con el arte aquello que la vida (y él mismo) le negaba; y a cambio nos dejó esa mirada inconsciente, desprovista e inocente de una profunda contemplación de la figura femenina, idealizando su posesión y su deseo. 
 

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                                    1. La absenta. (1876). Museo de Orsay, París.                   2.Después del baño, mujer secándose. (1890-95), pastel sobre papel, 103.5 × 98.5 cm, Londres,                                 National Gallery

3. The green ballet shirt. (1896). Pastel sobre papel. 45 x 37 cm, The Burrell Collection, Glasgow, CIC Glasgow Museums Collection

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EN CASA DEL PROFETA (1904)
Thomas Mann
(Lübeck, Alemania, 1875 - Suiza, 1955)

Hay lugares extraños, mentes extrañas, regiones extrañas del espíritu, elevadas y miserables. En la periferia de las grandes ciudades, allí donde las farolas se vuelven más escasas y los gendarmes patrullan por parejas, hay que subir las escaleras de las casas hasta que ya no se pueda avanzar más para acceder a las oblicuas buhardillas en donde unos genios jóvenes y pálidos, criminales del sueño, incuban apáticamente y de brazos cruzados sus pensamientos, o para llegar a los talleres de decoración barata e insignificante donde unos artistas solitarios, indignados y consumidos por dentro, hambrientos y orgullosos, luchan inmersos en una nube de humo por sus más extremos y confusos ideales. Es aquí donde hallaremos el fin, el hielo, la pureza y la nada. Aquí carece de validez todo contrato, toda concesión, toda tolerancia, toda mesura y todo valor. Aquí el aire es tan poco denso y tan honesto que las miasmas de la vida son incapaces de medrar. Aquí rige la obstinación, la más extrema consecuencia, el yo que reina desesperado, la libertad, el delirio y la muerte…

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Una mirada al hombre: Jacques Louis David
Por Danilo Rúa Espinosa


Y en una tarde la vida se tornó de nuevo a lo clásico. Las historias que habíamos escuchado una y otra vez se volvieron a posar en el pincel del joven pintor, el artista del neoclásico. Volver a pensarse desde uno mismo y sacar el exceso del barroco hasta el momento desarrollado en Francia fue el deseo de estos pintores que caminaban junto al romanticismo ¿Seguir la cadena de la sensación y la sensibilidad que proponía el romanticismo o volver a la recta norma y precisión de la razón por medio del neoclásico, o asumir la realidad que denunciaba el realismo social? Sin duda una mirada al hombre que se percibía a sí mismo y, en esa observación la presencia del racionalismo se presentaba como una manera de combatir los deseos de liberación de una población encerrada que gritaba justicia; esa era la Francia de la Revolución francesa, la Francia de Jacques Louis David. 
 

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1. La muerte de Sócatres 1787

2.  La muerte de Marat. 1793.

3. La consagración de Napoleón y coronacion de Josefina 1806.

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LA MANO DISECADA

Guy de Maupassant

 

Hará cosa de ocho meses, un amigo mío, Louis R., había reunido cierta noche varios compañeros de colegio, bebíamos ponche y fumábamos hablando de la literatura, de pintura y contando de vez en cuando algunas aventuras picantes, como suele ocurrir en las reuniones de gente joven. De pronto se abre de par en par la puerta y entra como un huracán uno de mis buenos amigos de la infancia. 

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De lo perverso a lo humano: El Bosco

Por Danilo Rúa Espinosa


El jardín de las delicias es la obra tal vez más vista del pintor flamenco Jheronimus van Aken, conocido popularmente como Jheronimus Bosch o El Bosco, así designado por su origen neerlandés al nacer en la ciudad de 's-Hertogenbosch (bosque ducal) comúnmente llamada Den Bosch, capital del ducado de Bramante en los actuales Países Bajos hacia el año de 1450 (fecha no precisa). En esta, y gran parte de sus obras, se pueden observar mundos oníricos sacados de una imaginación prodigiosa y con una cantidad de simbolismos que todavía hoy, más de 400 años después, no se alcanzan a descubrir sus significados. Lo que sí es muy notorio es la fuerte influencia del discurso religioso en sus obras que presentan de manera contradictoria los deseos y perversiones más bajos como aquello que es paradójicamente lo más humano. 

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El Jardín de las delicias. Óleo sobre tabla. 2,20 x 3,69 cm. Museo del Prado.

2. Las bodas de Caná. 1560. Óleo sobre tabla. Museum Boijmans Van Beuningen, Róterdam.

Extracción de la piedra de la locura. Óleo sobre tabla. 49 x 34,5cm. Museo del Prado

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EL PÉNDULO (1904)
(«The Pendulum»)

Originalmente publicado en The World (12 de junio de 1904);
The Trimmed Lamp, and Other Stories of the Four Million
(New York: McClure, Phillips & Co., 1907, 260 págs.)

O. Henry
(William Sydney Porter)
(North Carolina, 1862 - New York, 1910)

—Calle Ochenta y Uno… Dejen bajar, por favor —gritó el pastor de azul—.

Un rebaño de ciudadanos salió forcejeando y otro subió forcejeando a su vez. ¡Ding, ding! Los vagones de ganado del Tren Aéreo de Manhattan se alejaron traqueteando, y John Perkins bajó a la deriva por la escalera de la estación, con el resto de las ovejas.

John se encaminó lentamente hacia su departamento. Lentamente, porque en el vocabulario de su vida cotidiana no existía la palabra «quizás». A un hombre que está casado desde hace dos años y que vive en un departamento no lo esperan sorpresas. Al caminar, John Perkins se profetizaba con lúgubre y abatido cinismo las previstas conclusiones de la monótona jornada.

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La pureza del arte: Vasili Kandinsky
Por Danilo Rúa Espinosa

 

En blanco II. (1923). Óleo sobre lienzo. Centro Pompidou. 

Composición ocho. (1923). Óleo sobre lienzo. Abstracción lírica. Museo Salomón R. Guggenheim, Nueva York.

 

¡El arte es pureza, pureza del espíritu, pureza de la vida! El arte que se trasmite en su forma más simple es el arte que ha surgido de los estados más profundos del alma. La obra de arte imprime en cada espectador el consuelo que este necesita para mantener viva la esperanza. La fuerza de toda obra de arte se muestra en la capacidad de mostrarnos el caos de la vida sin que el contemplarlo nos duela o nos remita a la crueldad del precio que debemos pagar por permanecer vivos; porque menos mal, en medio de todo lo caótico hay un relativo orden que se traduce a través de la expresión develada por el artista. Vasili Kandinsky es el poeta de la pintura que fue capaz de traducirnos esas sensaciones que se generan a través del color y las formas, mostrándonos la simplicidad de lo complejo y la complejidad de lo simple, traspasados por un lenguaje común que nos permite llenar de esperanza al espíritu humano. 


El artista ruso nacido en 1866 en la ciudad de Moscú se dedicó de lleno al estudio de la pintura dejando un legado teórico y plástico importante para la creación artística, pues su acercamiento no solo se basa en las cuestiones plásticas referentes al color y la forma, sino principalmente a la sensación que estos dos aspectos generan en el en espectador convirtiéndose en la manera en la cual el arte logra comunicarse con lo profundo del espíritu del humano que la observa. Sus teorías exponen la relación que se genera entre el observador y lo observado, fue de este modo que kandinsky llegó a la abstracción para presentarnos a través de las formas más simples la complejidad que emana de un mundo ordenado y pensado. Es así como nos presenta en dos de sus textos: Punto y línea sobre el plano y De lo espiritual en el arte, un análisis profundo sobre el uso de elementos básicos tales como el punto, la línea o figuras geométricas como el círculo, cuadrado o triangulo como la forma en la cual el arte se manifiesta de manera pura; pues está libre de toda representación y simbolismo. Esto es la abstracción, es llevar a la expresión más simple aquello que se manifiesta complejo, cargado de símbolos y significantes en el espíritu humano. 


Esa espiritualidad es la que se percibe en toda la obra, donde a lo largo de su recorrido fue incorporando esas mociones que integran la música, el color y la forma en expresiones sinceras que trasmiten fuerza y vitalidad. En Blanco II (1923) es una muestra de sus exploraciones con las que busca comunicar a partir de sus formas y colores buscando siempre la armonía de su composición (que, sin embargo, se tornan en un caos). Composición ocho (8) (1923), es otra obra en la que, desde el nombre, se percibe la relación que el artista tendría con la música y con su forma de componer, allí la figuras geométricas y orgánicas están delimitadas con el color negro, sobre unos planos de color equilibrados en peso y textura que presentan una pintura totalmente racional y bajo un orden compositivo que deriva en una expresión que parece libre y espontanea. Esto mismo se observa en Estructura alegre (1926), en donde las formas, las figuras y el color terminan trasmitiendo esa sensación de dinamismo en el que nos unimos con un arte esperanzador, vivido desde lo profundo y expresado desde la simpleza que le habla al alma del observador desde la pureza de su lenguaje, desde su propia abstracción del mundo.  
 

 

Estructura alegre. (1926). Óleo sobre lienzo. Abstracción lírica.

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Una rosa para Emily


Por William Faulkner
I    
Cuando murió la señorita Emily Grierson, todo nuestro pueblo asistió al entierro, los hombres por una especie de afecto respetuoso hacia un monumento caído, las mujeres sobre todo por curiosidad de ver su casa por dentro, que nadie, que no había visto nadie en los últimos diez años excepto un viejo criado —una combinación de jardinero y cocinero—. Seguir leyendo

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La pintura espiritual: Van Gogh

Por Danilo Rúa Espinosa


El color, percibido desde el espíritu, toma unas formas particulares que descubren los remolinos que el sufrimiento causa en el alma de cada ser humano. Y es que es inevitable observar una pintura de Van Gogh, el pintor neerlandés, y no sentir un movimiento en lo profundo de nuestro ser que nos conecta con el dolor y la propia fragilidad. Nacido en 1853, es procedente de una familia humilde conformada por su padre Theodorus un pastor protestante, su madre Anna Cornelia y cuatro hermanos más, entre ellos su hermano Theo, con quien entablaría una profunda relación movida por el arte y por la fuerte espiritualidad del artista, expresaba en las cartas que le mandaba y del cual se tiene un registro bajo el nombre de Cartas a Theo. Gracias a este poema es que se puede conocer con propias palabras acerca de los sentimientos y pensamientos que motivaron algunas de sus pinturas y dibujos; al igual que sus angustias, deseos, tristezas, miedos y fracasos que experimentó y que lo llevaron a su incontenible muerte en 1890, por sus propias manos. 
 

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CLITEMNESTRA O EL CRIMEN
Marguerite Yourcenar

Voy a explicarles, señores jueces... Tengo ante mí innumerables órbitas de ojos; líneas circulares de manos puestas en las rodillas, de pies descalzos descansando en la piedra, de pupilas fijas de donde mana la mirada, de bocas cerradas donde el silencio madura un juicio. Tengo ante mí audiencias de piedra. Maté a aquel hombre con un cuchillo, dentro de la bañera, con ayuda de mi miserable amante que ni siquiera era capaz de sujetarle los pies.
Ya conocéis mi historia: no hay ni uno de vosotros que no la haya repetido veinte veces al acabar la copiosa comida, acompañada del bostezo de las sirvientas; ni una de vuestras mujeres que no haya soñado alguna vez con ser Clitemnestra. Vuestros pensamientos criminales, vuestras ansias inconfesadas ruedan por los escalones y vienen a derramarse en mí, de suerte que una especie de horrible vaivén hace de vosotros mi conciencia y de mí vuestro grito. Habéis acudido aquí para que la escena del asesinato se repita ante vuestros ojos un poco más rápidamente que en la realidad, pues os espera el hogar y la cena y sólo podéis dedicar unas cuantas horas a oírme llorar. Y en ese corto espacio de tiempo es preciso que no sólo mis actos, sino también sus motivos estallen a plena luz, aun cuando para afirmarse han necesitado cuarenta años. Esperé a aquel hombre antes de que tuviera un nombre, un rostro, cuando aún no era sino mi lejana desgracia.

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Impresiones de la existencia: Claude Monet

Por: Danilo Rúa Espinosa

La estación San Lázaro. 1877. Óleo sobre lienzo. 75 x 104 cm. Museo de Orsay               Impresión, sol naciente. 1872. Óleo sobre lienzo. 48 x 63 cm. Museo Marmottan Monet

El puente japonés. 1899. Óleo sobre lienzo


Parar por un instante y sentarse a contemplar el horizonte con tal calma que podamos percibir el camino que recorre la sombra de un árbol que se desplaza sobre el verde del prado es una de las experiencias más excitantes para una mirada como la de Claude Oscar Monet (París, 1840- Giverny, 1926), quien observaba los paisajes que a diario se le presentaban ante sus ojos de una forma diferente, logrando impregnar en el lienzo, no solo el efecto de la luz que mutaba frente a su vista, sino ante todo la impresión que causa en el espíritu la conciencia del paso del tiempo por la vida del hombre. La esencia de las cosas capturada en una pintura denota la fuerza con la que esas ‘cosas’ se quedan grabadas en el alma del pintor, y eso fue lo que este impresionista nos dejó como legado al pintar una y otra vez las mismas escenas pero con unos sentires disimiles que responden a las diversas emociones con las que afrontamos el día a día de nuestro existir. 

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Roberto Arlt

(Buenos Aires, Argentina, 1900 – Buenos Aires, 1942)

PEQUEÑOS PROPIETARIOS
El jorobadito

(Buenos Aires: Librerías Anaconda, 1933, 209 págs.)

      CIERTA NOCHE, EUFRASIA, poco después de cenar, le dijo a Joaquín, su esposo:
       —¿Sabes?, tengo el presentimiento de que el de al lado le roba materiales al infeliz a quien le está construyendo la casa.
       Joaquín la soslayó hosco con su ojo de vidrio.
       —¿De dónde sacás eso?
       —Porque hoy al oscurecer vino con el carrito cargado de polvo de ladrillo y tapado con bolsas, para disimular.
       —No puede ser.
       —Sí, porque ayer traía unos mosaicos debajo del brazo, también envueltos en una bolsa rota. Y se les veía el canto.
       —Entonces..., ¡quién sabe!...
       —Sí..., también me fijé cuando tenía la otra obra. Al principio llegaba temprano con el carrito; después, cuando estaba por terminar, mucho más anochecido, y siempre el carrito tapado. Con ese material deben haber construido la marquesina.
       Taciturno, replicó Joaquín:
       —Claro, así es fácil construir obras y hacerse marquesinas para darle envidia a los otros.
       Luego no hablaron más. Cenaron en silencio, y el ojo de Joaquín, el corredor y pequeño propietario, estaba tan inmóvil como su otro de vidrio.
       Solo al acostarse, cuando Eufrasia iba a apagar la lámpara, dijo sin mirar a su esposo, con la voz ligeramente desnaturalizada por el deseo de que fuera natural:
       —Si el dueño de la casa lo supiera...
       —Lo hace meter preso —fue el único comentario del tuerto. Luego se acostaron y ya no hablaron más.
 

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La fragilidad humana frente al terror de lo sublime: William Turner
Por Danilo Rúa Espinosa

El incendio de las cámaras de los Lores y los Comunes. (1834). Óleo sobre lienzo. 92 x 123.1 cm. Museo de Arte de Filadelfia

 

Sumido en el ego del ‘Ser’ el hombre se eleva por encima de la vida como el dueño del universo, no obstante, un terremoto, una pandemia o una tormenta le hace recordar que también él hace parte de la naturaleza ¡Y quizás la parte más frágil! Y es la fragilidad, el asombro y la pequeñez del hombre frente a la naturaleza, lo que sin duda inspiran los paisajes de Joseph Mallord William Turner, el pintor inglés cuyos paisajes, movidos por la fuerza imperante de la naturaleza, nos trasladan a esas atmosferas que a diario nos presenta la naturaleza en el esplendor de un amanecer nublado, un atardecer con un sol incandescente o una oscura borrasca marina. Turner, fascinado por la contemplación de estos espectáculos naturales, se pierde en el lienzo buscando plasmar no solo los colores sino, ante todo, las emociones humanas que afloran cuando presenciamos alguno de estos.

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El espantapájaros
Manuel Mejía Vallejo

Una cruz de palos, un sombrero viejo, un saco rescatado a los ratones, unos pantalones desahuciados, unas botas sin memoria ya de pies andantes. Por cara un manojo de estopa, de pecho un camisón relleno de pajas. Así, nació el espantapájaros que sembramos en mitad de la colina. Contra las nubes de la tarde parecía un cristo sin fieles. Tal vez por eso el indio de las hoyas le hacía una venia en cada viaje por tiempos de luna llena. El sol y la lluvia fueron dando carácter al monigote y una lejana conciencia de tener trapos que un día entibiaron respiraciones humanas, olvidos, deseos inconclusos. 


—Está ciego —dijo lucía.

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El narcisismo del artista: Diego Velázquez
Por Danilo Alberto Rúa

Su fama le alcanzó para ser reconocido simplemente por su apellido y su legado artístico comprende toda una oda a la figura del artista como el eterno narciso. Entregado en cuerpo y alma a su oficio de pintor, Diego Rodríguez de Silva y Velázquez se inscribe dentro de Barroco español, periodo del arte comprendido entre el siglo XVI y mitad del siglo XVII, cuyas características están demarcadas por el tenebrismo en el manejo de la luz, la presencia de la arquitectura en la composición, el ideal de naturalismo y la exaltación de la belleza en su máxima expresión llegando a un exceso en el detalle que permite una apreciación profunda de aquello que se quiere mostrar en la escena representada. Y es que, si por algo se reconoce este estilo artístico es por el exceso, reflejo de la época en el que la burguesía y la Iglesia requerían de este: la primera, para mostrar el creciente poderío económico con el que gozaba y, la segunda, como una estrategia de la Contrarreforma surgida por la necesidad de recuperar el poder perdido por la Reforma luterana. 

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Raymond Carver

VECINOS

      BILL Y ARLENE Miller eran una pareja feliz. Pero de cuando en cuando tenían la sensación de que en su círculo de amistades se les había relegado —y sólo a ellos— un tanto, y que tal actitud había hecho que Bill se entregara a su trabajo de contable y que Arlene se dedicara a sus tareas de secretaria. Hablaban de ello a veces, sobre todo comparando su vida con la de sus vecinos Harriet y Jim Stone. A los Miller les parecía que los Stone llevaban una vida más llena y excitante. Los Stone salían mucho a cenar fuera, o recibían a amigos en casa, o viajaban por el país aprovechando los desplazamientos de Jim por motivos de trabajo.

       Los Stone vivían enfrente de los Miller, al otro lado del pasillo. Jim era vendedor en una empresa de piezas de maquinaria y solía arreglárselas para hacer que sus viajes fueran a la vez de placer y de negocios, y en esta ocasión los Stone estarían fuera diez días, primero en Cheyenne y luego en St. Louis visitando a unos parientes. Los Miller, en su ausencia, cuidarían de su apartamento, darían de comer a Kitty y regarían las plantas.

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El arte del detalle: Jan Van Eyck
Por Danilo Rúa Espinosa

Políptico de Gante (1432) - Óleo sobre tabla, Catedral de San Bavón, Gante.


El arte en el detalle fue el título escogido por la historiadora de arte Susie Hodge para su libro publicado en el 2017 sobre las 100 obras de arte que deben ser vistas más de dos veces para poder alcanzar a apreciar toda su exquisitez y belleza. Exquisitez como la que precisaba uno de los más grandes pintores de la Pintura Flamenca también conocida como Renacimiento Nórdico como lo fue Jan Van Eyck. Este estilo pictórico de mediados del siglo XV y principios del XVI, toma rasgos distintivos del Renacimiento europeo constituyéndose en el estilo que mejor expone el uso de la pintura al óleo. Aunque también se considera la pintura al temple, este ejercicio se mantuvo en las diversas escuelas y academias de este periodo, cuya práctica se extendió hasta el siglo XVII con la Escuela de Amberes y su estilo colorista o naturalista.  Seguir leyendo...

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Del libro de Julio Cortázar, 
Historias de cronopios, 
sección "Manual de instrucciones."
 

Instrucciones para llorar

Dejando de lado los motivos, atengámonos a la manera correcta de llorar, entendiendo por esto un llanto que no ingrese en el escándalo, ni que insulte a la sonrisa con su paralela y torpe semejanza. El llanto medio u ordinario consiste en una contracción general del rostro y un sonido espasmódico acompañado de lágrimas y mocos, estos últimos al final, pues el llanto se acaba en el momento en que uno se suena enérgicamente. 
Para llorar, dirija la imaginación hacia usted mismo, y si esto le resulta imposible por haber contraído el hábito de creer en el mundo exterior, piense en un pato cubierto de hormigas o esos golfos del estrecho de Magallanes en los que no entra nadie, nunca.

Llegado de llanto, se tapará con decoro el rostro usando ambas manos con la palma hacia dentro. Los niños llorarán con la manga del saco contra la cara, y de preferencia en un rincón del cuarto. Duración del llanto, tres minutos. 


Instrucciones - Ejemplos sobre la forma de tener miedo

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Más allá de lo real, lo surreal: Salvador Dalí

Leer AQUÍ

Por Danilo Rúa Espinosa 
–Estudiante de la Facultad de Artes de la UdeA-

  

La persistencia de la memoria. (1931). Óleo sobre lienzo. 24 x 33 cm. MoMA, Nueva York.
 

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Demasiado caro
Relato verídico inspirado en Maupassant
León Tolstoi


Existe un reino pequeñito, minúsculo, a orillas del Mediterráneo, entre Francia e Italia. Se llama Mónaco y cuenta con siete mil habitantes, menos que un pueblo grande. La superficie del reino es tan pequeña que ni siquiera tocan a una hectárea de tierra por persona. Pero, en cambio, tienen un auténtico reyecito, con su palacio, sus cortesanos, sus ministros, su obispo y su ejército.

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